Pavement – Quarantine The Past (2010)

A finales de los años 80, cuando la música llamada “alternativa” (o sea, fuera de todo interés meramente comercial) aún no tenía la moderna etiqueta de “indie”, surgió en EEUU una de las bandas de rock “alternativo” más importantes de todos los tiempos, los californianos Pavement. Era la época de los primeros R.E.M, de los Pixies, de Dinosaur Jr… A lo largo de la década de los 90 nos regalaron cinco discos que contribuyeron en gran medida a sentar las bases del pop-rock americano actual, ya sea en su vertiente más noise o en su vertiente más folk, y en 1999, la banda se separó.

El año pasado, sumándose a la moda de las reuniones de viejas bandas míticas, Stephen Malkmus y compañía anunciaron que volvían a los escenarios. Esta primavera, Pavement son noticia por partida doble. Tocarán en España en el festival Primavera Sound, y lanzan un disco recopilatorio de su carrera. De momento, no hay material nuevo.

Os dejo con el recopilatorio Quarantine The Past, estupendo título para una banda que llevaba más de 10 años separada. Un disco ideal para la carretera, si os vais de vacaciones de Semana Santa.

Ocean Colour Scene – Saturday (2010)

Hace ya catorce años que aquel temazo llamado “Riverboat Song” de riff contagioso y ritmo imposible de bailar encumbró a Ocean Colour Scene en plena efervescencia “britpop”. Y tras una carrera llena de altibajos, llega ahora su noveno disco, en la línea de siempre, pop-rock de aire “retro”, 100% británico.

Lejanos ya sus dos mejores discos, (“Moseley Shoals” de 1996 y “Marchin’ Already” de 1997), lejanos ya los tiempos de gloria del “britpop”, los OCS sobreviven sin cambiar su sonido, ajenos a las modas y las vanguardias, en una cómoda decadencia, que se mantendrá tanto tiempo como sus antiguos fans se lo perdonemos todo con tal de escucharles tocar en directo “The Day We Caught The Train” de vez en cuando.

En “Saturday”, nada ha cambiado con respecto a anteriores entregas. Ese arranque de soul hortera llamado “100 Floors Of Perception” con que se abre el disco no es más que un engaño. El resto es 100% Ocean Colour Scene, eso sí, sin ser capaces de acertar con las estupendas canciones de antaño. Las baladas de siempre, (“Just A Little Bit Of Love”, “Harry Kidnap”, “Fell In Love On The Street Again”), algún tema bailable y divertido (“Old Pair Of Jeans”), y muchos ecos “sixties”, ahora a lo Rolling Stones (“Mrs Maylie”), ahora a lo Beatles (“What´s Mine Is Yours”, Rockfield”, estas dos, sin duda, las dos mejores canciones del disco).

En definitiva, un disco más que correcto, pero sin la chispa de los primeros OCS, que guardaré y escucharé más bien poco. Y cuando vuelva a verlos en concierto, me iré a casa contento si me dejan entonar en el bis aquello de “Ooh Oh, La La….Oooh Oh La La”

Lali Puna –Our Inventions (2010)

Seis años nos han hecho esperar los alemanes Lali Puna para entregarnos su cuarto disco. Pero ha merecido la pena. Siguen moviéndose en los parámetros de eso que los iluminados han dado en llamar “indietronica”, logrando un disco compacto y homogéneo, diez canciones de intensa belleza (belleza extraña por momentos), elegantes y delicadas, que crean una atmósfera ideal para cenas románticas a la luz de las velas pero con toque moderno. Cuidadísima producción, sonido perfecto, y la particular y sugerente voz de Valerie Trebeljahr presidiéndolo todo (aunque tampoco se la echa de menos en el corte instrumental del disco, “Future Tense”).

Ya desde el precioso tema que abre el disco “Rest Your Head”, nos invitan a relajarnos y disfrutar, y aunque haya un par de momentos más moviditos (“Remember”, “Move On”…) el tono general del disco es tranquilo y sosegado.

En definitiva, unos 37 minutos de belleza musical que, en los tiempos que corren, no es poco.

The Hot Rats – Turn Ons (2010)

Mientras los fans esperamos el próximo disco de Supergrass, dos de los componentes de la banda (el cantante y guitarrista Gaz Coombes y el batería Danny Goffey) se han entretenido en hacer un disco de versiones bajo el pseudónimo de The Hot Rats. (Homenaje al gran disco del gen¡al Frank Zappa y nombre perfecto para una banda de estas características, lástima que no se me haya ocurrido a mi).

Un buen disco de versiones es un acierto cuando les das a las canciones unos matices que no tenían las originales, tu personalidad, tu toque. No se trata de hacerlas mejor ni peor, sino de hacerlas distintas, tuyas. Pues bien, el resultado de este “Turns On” es, en ese aspecto, bastante desigual. Por ejemplo, las versiones del “Queen Bitch” de David Bowie o del “E.M.I.” de los Sex Pistols, poco o nada nuevo aportan respecto a las originales, aunque no por predecibles sean menos divertidas. Revisan con acierto y buen gusto pero pocas sorpresas a The Cure, The Kinks, Pink Floyd……Y es que hacer versiones de canciones de los artistas que son muy claramente tus influencias es, digamos, apostar sobre seguro, pero a mí siempre me ha gustado más el riesgo. Otra cosa es cómo se llevan a su terreno el “(You Gotta) Fight For Your Right (To Party!)” de los Beastie Boys, pero por desgracia, es una isla de originalidad en un disco bastante convencional.

En definitiva, una buena banda, tocando unas cuantas buenas canciones, que te hará pasar un buen rato. Sin otras pretensiones, ni falta que hace.

Clem Snide – Selección (2010)

Yo llegué algo tarde a la música del grupo neoyorquino Clem Snide, recuerdo que tocaban en el FIB de 2004 y, la verdad, no recuerdo nada de aquel concierto, ni siquiera puedo afirmar a ciencia cierta si estuve en él. El caso es que a raíz de aquello empecé a conseguir sus viejos discos, (llevaban en el negocio desde 1991) así que deduzco que algo hubo.

Poco a poco me fui enamorando de discos como “Your Favorite Music” (1999) o “The Ghost Of Fashion” (2001) y entonces, allá por 2005, llegó “End Of Love” y entró de inmediato en mi lista de discos favoritos DE SIEMPRE e hizo subir a Clem Snide como la espuma hasta los primerísimos puestos de mi lista de grupos de cabecera. Y en ese momento, van y se separan, por tensiones internas en el grupo y porque su líder Eef Barzelay, quiere hacer carrera en solitario. Pero en 2008 se volvieron a juntar, y el año pasado sacaron un disco con viejas composiciones que fue considerado un trabajo menor, pero que para mí es, de largo, el mejor disco de 2009, “Hungry Bird”. Este año han publicado material nuevo en su séptimo disco, “The Meat Of Life”.

Del concierto de Clem Snide de anoche en la Heineken, decir que estuvieron apabullantes, que Barzelay llena como pocos el escenario. No les favoreció el formato de concierto de tres grupos pues, al ir en el medio, apenas tocaron algo más de una hora, y supo a poco. Empezaron con los tres primeros temas de su último disco, repasaron unos cuantos de sus clásicos (alguno, como “Fill Me With Your Light”, de manera bastante “marciana”) y llegaron al bis con “Your Favorite Music” haciéndonos corear el estribillo del “You can´t always get what you want” de los Stones.

Como comentario adicional, no entiendo que haya gente que pague por ir a un concierto y se lo pase, ENTERO, hablando y riendo con sus colegas, indiferente a los “SSSh” del sector del público que queremos ESCUCHAR. Por desgracia, es cada vez más común entre los asistentes a los conciertos. Se le quitan a uno las ganas!!

Os dejo con una selección de 16 temas + 2 versiones que me encantan de CLEM SNIDE.

Drive By Truckers – The Big To Do (2010)

Vuelven los de Alabama con su noveno disco de estudio. Y no ha cambiado nada, todo sigue igual. Las tres guitarras que se desdoblan. Las dos voces solistas. El sonido clásico, “de siempre”, de buen rock americano. Si ya te habías cansado de ellos, este disco no te gustará. Si te gustan los anteriores, éste también te gustará. Quizás un poquito más de rock “fuerte” (“This Fucking Job”, “Birthday Boy”) pero en líneas generales, su sonido habitual de rock perfectamente concebido y elegantemente ejecutado (“The Wig He Made Her Wear”, “The Fourth Night Of My Drinking”). No deja de ser curioso que los cataloguen en la moda de la música “Americana” o “Alt Country” cuando ellos llevan ya tantos años pasando completamente de las modas.

Laura Veirs – July Flame (2010)

Va por su séptimo disco esta encantadora cantante y compositora norteamericana y no ha perdido ni un ápice de elegancia y sensibilidad. La autora del maravilloso “Carbon Glacier” (2004) sigue incidiendo en las cualidades que siempre la han caracterizado. Intimismo, delicadeza, minimalismo…..simplemente su peculiar voz cantándonos sus sencillas melodías, apoyándose en su guitarra. Sólo con eso crea atmósferas cálidas y envolventes.

Si bien en esta nueva entrega, parece que a la Veirs le cuesta un poco dar con las melodías adecuadas, y la primera parte del disco cae un poco en la monotonía justo después del single “July Flame”, hacia la mitad la cosa remonta notablemente, con canciones tan bonitas como “Summer Is The Champion” o “Wide-Eyed, Legless” y, apoyándose en bonitos arreglos de cuerdas y vientos sugeridos por su productor y pareja Tucker Martine , Laura se viene arriba cerrando el disco de manera sensacional con los preciosos violines de “Make Something Good” que te dejan una gran regustillo final.

Adam Green – Minor Love (2010)

El primer disco que llegó a mis manos del bueno de Adam en solitario fue aquel maravilloso “Friends Of Mine” que me atrapó en seguida. Esa voz profunda, esa orquestación, ese estilo crooner, esas letras disparatadas y, sobre todo, esas estupendas canciones. El segundo impacto fue verlo en directo. Siempre que le he visto en concierto estaba borracho, o colocado, o ambas… acertando apenas a tenerse de pie sobre el escenario. Y esto, lejos de resultar un inconveniente, le da un aire de showman que hace de sus conciertos una sucesión de momentos divertidos.

La carrera en solitario del antiguo cantante de The Moldy Peaches ha ido perdiendo fuelle, sobre todo porque le cuesta más dar con buenas melodías, pero también porque su estilo de crooner absurdo empezaba a sonar repetitivo. En este su sexto disco, Adam da un cierto giro que se agradece. Desde la canción que abre el disco, ya nos damos cuenta de que la producción es más austera, más desnuda. Sin instrumentos de viento, con un tono más comedido, apoyándose mucho en su guitarra acústica, Adam parece más serio, aunque sólo lo parece, porque no ha perdido su sentido del humor. Experimenta con melodías sencillas y arreglos sencillos, (incluso me recuerda a Beck en “Lockout”) y el experimento le sale en general, bien. Cercano en muchos momentos a ese sonido Lo-Fi de rock desganado que tanto aprovecharon sus amigos y vecinos los Strokes, la voz del señor Green se acerca esta vez más a la del Lou Reed de los 60s que a la de Frank Sinatra, sin dejar de parecerse al viejo Adam Green en temas como “Castles And Tassels” o “You Blacken My Stay”.

Black Rebel Motorcycle Club - Beat the Devil's Tattoo (2010)

Allá por el año 2000, esta banda americana de rock atrajo muchas miradas con sus dos primeros discos. Con influencias “clásicas” de rock garajero y shoegaze, aprovecharon el momento al alza que vivía el rock de guitarras tras la aparición de los Strokes para hacerse muy populares entre viejos rockeros y modernos gafapastas. En 2005, su tercer disco, “Howl”, exploraba con gran acierto el rock de raíces, el folk, el blues…..para mi gusto, el mejor y más logrado disco de su carrera, y el que hizo que me interesara en ellos. Hace un par de años publicaron un disco aburridísimo de cuyo nombre ni me acuerdo, y regresen ahora con este “Beat the Devil´s Tattoo”.

De entrada, este disco es más variado y por ello más interesante que el anterior. Sin ser ni de lejos una obra maestra, el disco se deja escuchar mejor que bien. Hay ecos folkies que nos recuerdan vagamente a “Howl”, como el tema que abre el disco y le da nombre, o la balada “The Toll” que tiene hasta armónica. Hay temas al viejo estilo BRMC, con sonido levemente shoegaze, como “Evol” o “Shadow´s Keeper” y también encontramos temas con un denso sonido stoner e incluso claras referencias a Nirvana en “Aya”. Las melodías están más logradas que en el disco anterior (¡hay un piano en la balada “Long Way Dawn”!), el sonido de guitarras está muy cuidado y el resultado final, aunque algo desigual, es, en general, bueno.

Primal Scream – Screamadelica (1991)

Recién empezada la década de los 90, en toda Gran Bretaña la escena musical estaba en ebullición. El escocés Bobby Gillespie había abandonado a mediados de los 80 su puesto como batería en The Jesus & Mary Chain para centrarse su propia banda, Primal Scream. Tras un par de discos mediocres, a caballo entre la psicodelia de los Byrds y el rock garajero de MC5, Gillespie andaba en 1990 desencantado y buscando su identidad musical. Es la época de los clubs londineneses, del dance, el dub, el acid house. Y es en esa época cuando un famoso DJ de la escena house, Andrew Weatherall, recupera uno de los mejores temas del disco “Primal Scream” (1989), la balada “I'm Losing More Than I'll Ever Have” y, trabajando con la banda, lo remezcla, olvidando la parte principal del tema, potenciando la pegadiza parte instrumental del final y dándole un toque acid-house, orientando claramente el tema a las pistas de baile de los clubs. El tema se llama “Loaded”. Encantados con la deconstrucción, Primal Scream deciden que ese va a ser camino a seguir en el próximo disco, en el que empiezan a trabajar entre drogas y noches de fiesta en los clubs.
Se rompen las reglas, se rompen los corsés, y se graban canciones de sonido dispar, con entera libertad. Colaboran con prestigiosos productores, principalmente el propio Weatherall, pero también The Orb, Terry Fairley o Jimmy Miller, y están muy pendientes del sonido final del disco, participando la banda activamente en la producción. El resultado es Screamadelica, un disco indispensable, fresco, nuevo…que marcará un hito en la historia de la música y se convertirá en uno de los más influyentes de todos los tiempos.
Trabajo inclasificable, mezcla de rock, pop, psicodelia, dub, acid-house, góspel y todos los sonidos que la banda haya asimilado en los últimos meses, es además un disco que refleja claramente el carácter lisérgico de la época, ordenándose como un colocón de Éxtasis, con su euforia (“Moving on up”, “Slip inside this house”), su estado de catarsis (“Higher than the sun”, “Loaded”) y su “bajón”(“I´m coming down”). El disco será merecedor del prestigioso Mercury Prize británico y aún hoy en día es referencia obligada de músicos de todo el mundo. Una de esas pocas ocasiones en que podemos decir, “un disco que cambió la historia de la música”.

Ahora, justo 20 años después, y apuntándose a la moda recuperar-en-directo-un-viejo-disco-mítico, Primal Scream se disponen a tocar Screamadelica en directo, íntegro y en orden, a finales de año, en dos únicos (en principio) conciertos en Londres. ¿Nos vemos allí?