Jamiroquai – Rock Dust Light Star (2010)

Cinco años se ha hecho esperar el séptimo disco de estudio de los británicos Jamiroquai, innegables reyes del funk actual. Y después de esperar cinco años en los que las únicas noticias eran de problemas con discográficas, “Rock Dust Light Star” se me antoja bastante flojo, habiendo tenido tanto tiempo para componer. Pero es bien conocido el nivel de vida del frontman y compositor de la banda, Jay Kay, y tanto lujo le deja poco tiempo para la música.

De entrada, el propósito era hacer un disco más orgánico, menos electrónico, y lo han conseguido, aunque novedades en el estilo y el sonido no hay. 12 de temas de Jamiroquai que suenan a Jamiroquai. Funk, disco, adid jazz, baladas marca de la casa, coros, vientos, y el imponente bajo de Paul Turner, contribuyen a crear un estilo inconfundible.

Pero el disco es irregular, tiene temas realmente buenos, pero también momentos muy de relleno. Hacia la mitad se desinfla (como la voz de Jay, que no es la que era en los 90s) y al final se hace largo. Y eso que el arranque promete, con un tema inicial que da nombre al disco muy melódico, con elegantes guitarras, un segundo tema que es el primer single y es realmente comercial (“White Knuckle Ride”), un tercer tema muy setentero con toques de jazz (“Smoke And Mirrors”) y un cuarto tema muy bailable, con un bajo espectacular (“All Good In The Hood”). Pero después, el disco empieza a flojear y aunque nunca pierde el toque de elegancia, la mayoría de los temas se hacen monótonos y carentes de fuerza, salvándose la bonita balada “Blue Skies”, o el buen cierre de “Hey Flood” con toques reggae, percusiones latinas y buenos vientos, que deja un buen sabor de boca final. En cualquier caso, menos de lo que se esperaba.

El vídeo del primer single “White Knuckle Ride”, con Jay pilotando un helicóptero:


http://www.youtube.com/watch?v=k_bQ0h85gY8&feature=channel


Para descargar el disco, en comentarios

Primal Scream – Scremadelica (Live) (2010)

Aturdido aún por la impresionante experiencia del concierto del año 2010 en Madrid (que no fue, ni muchísimo menos, el de Arcade Fire, sino el de Primal Scream un día antes), aún me cuesta encontrar palabras para esa noche inolvidable en que por fin vimos a Gillespie y compañía en una sala (La Riviera), tocando una breve sección de “Hits” (palabra muy poco apropiada para esta banda casi siempre anti-comercial) y después tocando íntegro “Screamadelica”, aquel disco imprescindible de 1991 que cambió la música y la vida de algunos como yo, hace ya casi casi 20 años.

Tanto el concierto de Madrid, como el de Barcelona el día siguiente, como los dos de Londres el pasado fin de semana fueron impresionantes e inolvidables. Habrá más en marzo.

Y como un mp3 vale más que mil palabras, en comentarios encontraréis cómo descargar el show de Londres del viernes 26. Todo Screamadelica más una canción de regalo de la sección de Hits.

Para que sepáis lo que fue aquello, aquí tenéis el vídeo de la locura colectiva de “Loaded” en La Riviera. En realidad, estar allí fue aún mucho mejor.

http://www.youtube.com/watch?v=57gupauIwM4&feature=related

Deer Tick – The Black Dirt Sessions (2010)

Las etiquetas musicales nos vienen bien para entendernos aunque suelen quedarse cortas para abarcar todas las músicas, y a veces acabamos definiendo lo mismo de mil maneras distintas. Ni “americana” vale para toda la música que se hace en USA, ni lo de Deer Tick es sólo “folk”, ni sólo “country”, ni sólo “rock”…..ni mucho menos “alt country”, sea eso lo que sea. A lo que me refiero es que la música que hace la banda de John McCauley III, es todo eso sin ser nada de todo eso. Porque es una música desnuda, bella en su simplicidad, que sí, bebe de las raíces de la música folk americana, y que nos muestra el alma del bueno de John en toda su crudeza.

El tercer disco de Deer Tick está lleno de buenas canciones, 11 en total, de producción escueta, donde lo importante es lo que se canta y cómo se canta….sea con una sencilla guitarra acústica y un piano (““Piece By Piece And Frame By Frame “), guitarra eléctrica y órgano (“Choir Of Angels”), o con un magnífico crescendo instrumental final (“Mange”), siempre con la particular y nada resultona voz de McCauley. Un disco a la vez bello, melódico, desnudo y sobrecogedor….de esos que pretenden impactarnos….y lo consiguen.

Eric Clapton – Clapton (2010)

A propósito del nuevo disco de Eric Clapton, llamado simplemente “Clapton”, no puedo evitar pensar en la imagen que para el público en general tiene en la actualidad el otrora genial cantante, compositor y guitarrista de rock británico.

Muy larga y variada es la trayectoria de Clapton en el mundo de la música desde que formara su primera banda de rithm´n´blues a mediados de los sesenta. Y por supuesto, no toda su extensa discografía está ni mucho menos a la altura de los discos que le han catapultado a ser una leyenda de la música rock en general y de la guitarra eléctrica en particular. Quizás el “delito” de Clapton haya sido sobrevivir a esa inmensa presión que recayó sobre sus hombros a finales de los sesenta cuando fue considerado unánimemente el mejor instrumentista de rock del mundo. Esa presión y los acontecimientos que rodearon su vida privada le llevaron a una espiral de drogas y alcohol que estuvo a punto de acabar con su vida a principios de los setenta. Pero no era ese su destino, y al contrario que otros contemporáneos, Clapton vivió para contarlo, y llegar hasta nuestros días con la obligación moral y física de seguir componiendo canciones, grabando discos y recorriendo el mundo en grandes giras. Habría que ver a Jimi Hendrix ó Duane Allman en la actualidad, rondando los setenta años, pero lo cierto es que Clapton ha acabado convirtiéndose en un sesentón canoso, con gafas de intelectual y papada que produce canciones de estilo facilón y comercial y dificilmente alcanza el virtuosismo a la guitarra que era capaz de demostrar en el 69, imagen que pone en peligro su reputación para las nuevas generaciones que no alcanzan a entender lo que Eric ha supuesto para la música rock.

En 2010 se presenta con un nuevo disco plagado de conformismo, muy elegante y bien ejecutado, pero por momentos carente de fuerza y compromiso, característica ésta por desgracia muy presente en sus últimos trabajos. Un disco lleno de versiones de viejos clásicos y colaboraciones, de referencias a tiempos pasados, a sonidos del viejo blues, ideal como banda sonora de una cena elegante en un restaurante caro.

A lo largo de todo el disco, escuchamos la estupenda voz de Clapton, pero apenas escuchamos su guitarra. Clapton cede el protagonismo instrumental a la guitarra de su estrecho colaborador Doyle Bramhall (coautor del único tema compuesto por Eric, “Run Back To Your Side”), a la guitarra de la leyenda J.J. Cale (autor de dos temas, “Everything Will Be Allright” y “River Runs Deep”, éste último de lo mejorcito del disco gracias a la sobria guitarra de Cale), al piano de Walt Richmond y la trompeta del gran Wynston Marsalis en la muy elegante pero algo aburrida balada “How Deep Is The Ocean”, o al piano de Allen Toussaint, que le da un toque alegre y jazzero a “My Very Good Friend The Milkman” y “When Somebody Thinks You’re Beautiful”. El cupo de colaboraciones termina con la voz de Sheryl Crow en la hortera “Diamonds Made From Rain”, también compuesta por Bramhall.

En definitiva, un disco lento, lleno de baladas, elegante pero sin fuerza, en el que sólo intuimos al Clapton genial en “That's No Way To Get Along” (que encajaría bien en la producción setentera de Eric) o el blues “Can't Hold Out Much Longer” donde brilla la guitarra del genio, con sus característicos fraseos rápidos y afilados. E.C. quién te ha visto y quién te ve.

The Walkmen – Lisbon (2010)

Los neoyorquinos The Walkmen son unos de los niños mimados de la crítica musical internacional. Ahora nos presentan su sexto disco, “Lisbon”, siempre a la sombra del alabadísimo disco anterior, “You and Me”. Y el resultado es, en mi opinión, algo irregular y algo por debajo de las expectativas. Es verdad que tiene temas bastante buenos, pero también tiene momentos realmente para olvidar.

Desde el principio del disco, ya encontramos los componentes comunes de la música de The Walkmen. La voz melancólica de Hamilton Leithauser, las guitarras afiladas de Paul Maroon, las expresivas baterías de Matt Barrick. En definitiva, esa mezcla de sonido melancólico y oscuro con sonido nervioso y rabioso.

Como ya dije, el resultado es irregular, pero este disco tiene varios momentos estupendos que hacen que merezca la pena. La bella melodía de “Juveniles”, las arrebatadas estridencias de “Angela Surf City”, los toques mariachi y el ambiente de noche de triste y solitaria borrachera de “Stranded”, o el sonido optimista y novedoso con respecto al disco anterior de “Victory” o “Woe is Me”. Las últimas canciones del disco tienen algo menos de fuerza y es por eso por lo que no diré que estemos ante uno de los discos del año.

Para descargar, en comentarios.

I Am Kloot – Sky At Night (2010)

I Am Kloot es una formación británica (de Manchester, que viste mucho en esto del pop de las islas) con una década a sus espaldas haciendo muy buena música, y con una gran reputación, pero por alguna extraña razón la mayoría de la gente en España nunca ha oído hablar de ellos. Cuando este elegante trío anunció que para su cuarto disco iban a contar para la producción con los integrantes de Elbow Guy Garvey y Craig Potter, la expectación se hizo máxima. Y os aseguro que, esta vez, el resultado supera las expectativas.

“Sky At Night” no rompe la línea pop/folk de los anteriores trabajos de I Am Kloot, pero la enorme belleza de las canciones, la elegante sobriedad de su ejecución, y los acertadísimos toques de producción (unos arreglos de cuerdas aquí, unos coros allá) combinan de maravilla dando como resultado su mejor disco, una joya imprescindible.

John Bramwell, cantante, guitarrista, compositor y letrista de I Am Kloot es un músico-poeta (su voz nasal te hace pensar en Bob Dylan, pero sus recursos para tocarte la fibra le emparentan más, en mi opinión, con Mike Scott) y sus canciones de honesta y sencilla belleza se revisten gracias a la producción de Garvey y Potter de un envoltorio brillante y atractivo. El resultado, una colección de canciones preciosas, que evocan sensaciones indescriptibles.

Y es que la música es un estimulante de sensaciones y de asociaciones de recuerdos de momentos. Yo siempre asociaré el precioso tema inicial “Northern Skies” al recuerdo de un momento concreto y eso también contribuye a que este disco me guste más.

Para descargar, en comentarios

Tom Petty And The Heartbreakers – Mojo (2010)

El viejo maestro está de vuelta. Es sorprendente (al menos para mi) que Tom Petty no acapare la atención en los medios al mismo nivel, que, por ejemplo, Bruce Springsteen, teniendo en cuenta la intachable trayectoria musical de ese viejo trovador. Yo sí me hago eco de la noticia. Petty y sus viejos Heartbreakers tienen nuevo disco.

No esperes en este “Mojo” nada nuevo. A estas alturas Tom no hace experimentos. Tira de raíces y nos regala otro disco de ROCK tremendamente clásico. Pero qué bien hecho, oiga. Qué elegante, qué bonitas canciones, qué calidad de sonido y qué calidad de interpretación de todos los músicos.

Que la cosa va de rock clasicote se pone ya de manifiesto desde el riff que abre el primer tema “Jefferson Jericho Blues”. A partir de ahí, pocas variaciones, que incluyen algo de blues (“Takin' My Time”, “Let Yourself Go”), bonitas baladas (“No Reason To Cry”, “Something Good Coming”), medios tiempos marca de la casa (qué bonita es “Candy”) y hasta un reggae (“Don't Pull Me Over”).

Os dejo con el vídeo de “I Should Have Known It”, un temazo donde la guitarra de Mike Campbell brilla a gran altura.

http://www.youtube.com/watch?v=3_iBKacXIA4

Para descargar, mirad los comentarios.

Audio Bullys - Higher Than The Eiffel (2010)

Ahora que Belén Esteban ha puesto tan de moda la cultura “de la calle, ¿me entiendes?” llega el tercer disco de los británicos Audio Bullys, que son muy “de la calle”, con ese aire estudiadamente macarra de los “hiphoperos” modernos.

Audio Bullys son los jovencísimos Simon Franks y Tom Dinsdale, un dúo puntero en la escena “Dance” británica, que irrumpieron en la música allá por 2002 con aquel “Ego War” que a mí, personalmente, se me metió en la cabeza para no salir nunca más. Su estilo, basado en estándares de la cultura urbana (hip-hop, garaje, house, breakbeat, muchos samples) se hace original y reconocible al unir por momentos elegancia y arrabal, una suerte de mezcla de Happy Mondays con The Clash, pero en moderno.

Como los dos anteriores, “Higher Than The Eiffel” no es un disco totalmente redondo, tiene canciones estupendas y alguna olvidable. Eso sí, desde la rara introducción de “Drums (On With The Story)” hasta la simpática despedida de “Goodbye”, el sonido es, siempre, 100% Audio Bullys. Mucho hip-hop, melodías a dos voces, teclados ochenteros (“Feel Alright”), toneladas de samples, algún toque de jazz (“Drained Out”), cambios de ritmo (magnífica “Smiling Faces”) y hasta un poco de rock (“Kiss The Sky”).

Y como carta de presentación un single llamado “Only Man” con unos teclados muy pegadizos y que suena continuamente en la tele en los anuncios de “¿Y si a Pancho le toca el gordo de la Primitiva?”.

http://www.youtube.com/watch?v=9yD0KEi554c

Como siempre, para descargar, mira en comentarios.

Ben Folds and Nick Hornby – Lonely Avenue (2010)

Ya está aquí la muy esperada colaboración entre el músico americano Ben Folds (líder de los “míticos a pequeña escala” Ben Folds Five) y el escritor inglés Nick Hornby. El bueno de Ben se siente absolutamente identificado leyendo novelas como “Alta Fidelidad” y el viejo zorro de Nick se pone las pilas escuchando canciones pop como “Brick”. En 2009 decidieron colaborar y ahora nos llega el resultado de esa colaboración, el disco “Lonely Avenue”, con música de Folds sobre letras de Hornby.

Si bien este tipo de uniones rara vez responde a las expectativas, y esta no es una excepción, sí que hay que reconocer que el disco ha quedado bastante digno y se deja escuchar con mucha facilidad. Hornby escribió sus pequeñas y cotidianas historias, las adaptó a formato de letra de canción, las envió por e-mail a Folds, y éste las revistió de música pop elegante y de cuidadísima producción. Se advierte la notable formación musical de Ben Folds en esos omnipresentes y preciosos arreglos de cuerda, en esos teclados que dan buen rollo, en esos tambores que de vez en cuando rompen la calma para irse de marcha.
“Lonely Avenue” no es una obra maestra, y quizá le falta alguna canción de esas que te ponen de verdad los pelos de punta, pero desde el blues dedicado al yerno de Sarah Palin (“Levi Johnston’s Blues”) hasta la desquiciada declaración de amor a la poetisa americana Saskia Hamilton (“Saskia Hamilton”), todas sus canciones son lecciones de buen gusto musical.

Como siempre, para descargar, mira en comentarios.

Higamos Hogamos – Higamos Hogamos (2009)

Higamos Hogamos es el experimento musical de los ingleses Steve Webster y Toby Jenkins que dio como resultado el año pasado un disco de debut imprescindible para los amantes de la psicodelia y el rock experimental. Diez temazos impregnados del primero al último de guitarras psicodélicas (el trabajo de Jenkins en las seis cuerdas es sobresaliente), influencias del glam rock y tambores retumbantes.

Desde el primer tema (“Infinity Plus One”), en el que escuchamos una voz desganada y claras influencias del mejor Bowie, es fácil engancharse al sonido Higamos Hogamos. Podremos encontrarnos con un tema instrumental con teclados espaciales y guitarras de corte country (“Black Forest Gateaux”), con temas desquiciados llenos de guitarras chirriantes y ritmos desbocados (“Major Blitzkrieg”, “The Creeper”), influencias de los Primal Scream más estudiadamente indolentes (en “B´aby” cantan I´m Yours, You´re mine de manera muy Bobby Gillespie), temas muy influidos por el sonido de Bowie, The Velvet Underground o incluso Pink Floyd (“Something's Got A Hold Of Me”, “The Illuminoids”), e incluso un amago de pop comercial tremendamente resultón (“The Future Hides Its Face”).

En cuanto al nombrecito en cuestión, parece ser que está inspirado en la historia del filósofo William James, quien en los 90s solía experimentar con drogas, y en uno de sus “viajes” pensó haber descubierto el sentido de la vida y lo apuntó en un papel. Cuando despertó la mañana siguiente corrió expectante a ver qué ponía en la nota. No recordaba qué había escrito pero sabía que era algo muy profundo. Cuando encontró el papel, ponía HIGAMOS HOGAMOS.

Para haceros con el disco, id a la página de descargas que siempre uso, y completad el link con la referencia que encontraréis en los comentarios.

The Black Crowes – Croweology (2010)

Qué malo es esto del verano para los lanzamientos discográficos. Mientras llegan los lanzamientos del otoño, me recreo con la última propuesta de los renacidos Cuervos Negros, una de mis bandas de ROCK (así, con mayúsculas) favoritas de siempre.

Los hermanos de Atlanta Chris y Rich Robinson, que hoy se quieren y mañana se odian, parecían haber dado con la fórmula para llevarse bien y la banda dio imagen de estabilidad en su visita a España para el Azkena rock de hace un año. Pues bien, ahora anuncian el enésimo parón de la banda y lo hacen con una nueva gira (que, en principio, no les traerá por aquí) y “Croweology”, que no es otra cosa que una selección de algunos de sus grandes éxitos grabados de nuevo pero en formato acústico.

El caso es que, a pesar de ser temas ya conocidos, y que a una banda de ROCK (así, con mayúsculas) el formato acústico le hace perder fuerza, este disco es realmente potente, con un cuidado y elegante sonido, con cuidados arreglos que suplen a la perfección la falta de guitarras estridentes (ojo a esos violines en “She Talks To Angels”), una banda tocando como nunca y Chris muy entonado en la voz. No os perdáis el espectacular arranque con “Jealous Again” o las estupendas versiones de los temas de raíces más sureñas (“Hotel Illness”, “Wiser Time”) o baladones como “Sister Luck” y “Good Friday”. Los Black Crowes, en plena madurez.

The Dandy Warhols – Best Of The Capitol Years 1995-2007 (2010)

Esto del verano está muy bien, pero resulta algo aburridillo en cuanto a lanzamientos musicales se refiere. Lo más interesante de lo que va de julio es un disco recopilatorio de los Dandy Warhols, que ya hacía falta. Y ya hacía falta porque los de Portland, llevando como llevan más de 15 años en la música, y habiendo facturado algunas canciones maravillosas, siguen sin hacer discos redondos y consistentes. Por eso me parece buena idea este disco “best of” para acercarse a ellos si no los conoces o para llevarlo en el coche estas vacaciones. Máxime si la selección de los temas está bien hecha, como es el caso.

15 temas de lo mejorcito de la producción de estos americanos, rockeros pero elegantes. Guitarras eléctricas y teclados, pop y rock. A veces toques de psicodelia (“Scientist”), a veces toques gamberros (“Smoke It”), alguna obra maestra (“The Last High”) y pepinazos comerciales como “Bohemian Like You” (sí, la del anuncio de Vodafone) o “We Used To Be Friends” (sí, la sintonía de cabecera de “Verónica Mars”).

Por cierto, si estáis en Madrid el domingo por la noche, The Dandy Warhols tocan en la sala Heineken.

Holy Fuck – Latin (2010)

Ya está aquí el nuevo disco de los canadienses Holy Fuck, que tan buen sabor de boca dejaron con su anterior disco, “LP”, tres años atrás.

Lo primero que hay que decir de este “Latin” es que resulta algo más asequible que su predecesor, algo menos caótico, algo menos experimental, pero sin perder la desbocada esencia Holy fuck. Y el balance es positivo, pues hace el resultado final más equilibrado (y, para qué engañarnos, más accesible al gran público), sin perder la identidad.

El cambio se nota ya en el tema que abre el disco, “MD”, que arranca con un sonido tan ambiental como experimental, pero que rápidamente evoluciona hasta encontrar ese ritmo bailable que se te mete dentro que va a ser constante a lo largo del disco (¨Latin America”, “SHT MTN”) y que por momentos se hace totalmente dance y hasta comercial (“Stay Lit”, “Silva & Grimes “, “P.I.G.S.”). En cualquier caso, no faltan los momentazos de subidón caótico con batería desenfrenada tan característicos de los de Toronto (“Stilettos”, “Lucky”), que hacen que recuerdes con claridad por qué te gusta tanto la psicodelia rockero-electrónica de Holy Fuck.

FreeBass – It´s A Beautiful Life (2010)

Después de una espera de años, por fin se cristaliza en un disco de larga duración el famoso proyecto de supergrupo de tres grandes nombres de la música británica: Peter Hook (Joy Division, New Order), Andy Rourke (The Smiths) y Gary “Mani” Mountfield (The Stone Roses, Primal Scream). Sí, tres grandes bajistas en un grupo llamado FreeBass.

El problema de los llamados “supergrupos” es que muy rara vez alcanzan las exceptativas creadas. La suma de talentos no es una operación aritmética, pero nos gusta pensarlo así. En cualquier caso, el resultado puede ser digno, y eso es lo que pienso de It´s A Beautiful Life”.

Aunque se había especulado con un sinfín de posibles cantantes para el grupo (Billy Corgan, Liam Gallaguer, Bobby Gillespie) finalmente se ha quedado el puesto Gary Briggs (Haven), una voz peculiar que tiene defensores y detractores.

El resultado final, 10 canciones pop que suenan a New Order por los cuatro costados, y que seguramente decepcionarán a los fans de New Order. El sonido es bueno, la producción perfecta, hay buenas melodías, los bajos suenan estupendos (sólo faltaba!) y, en general, la escucha del disco es agradable, aunque deja esa sensación de que no acaba de despegar, y le falta fuerza para ser un gran disco.

Me quedo con el pop oscuro de “World Won´t Wait” y el sonido de guitarras a lo Smiths en “The God Machine”, en una propuesta correcta sin más. Un poco de pop primaveral.

Yeasayer – Odd Blood (2010)

Los 80s están de moda, ya no cabe ninguna duda. No hay más que escuchar el segundo disco de los neoyorquinos Yeasayer para convencerse. Puede que las hombreras se resistan a volver, pero los arreglos musicales “ochenteros” ya nos han invadido.

Me resistía yo a introducirme en la penúltima sensación musical de NY, hasta que el anuncio de la tele del Primavera Sound me clavó en los tímpanos el estribillo del single “Ambling Alp” y me sorprendí a mi mismo tarareándolo en el metro. (Tampoco es muy significativo, eso me ha pasado hasta con Shakira). El caso es que decidí darle una oportunidad. En principio, nada nuevo bajo el sol de la Gran Manzana. Psicodelia, techno-pop al estilo de los 80s pasado por las mejores técnicas de sonido actuales, coros, falsetes……nada que no hayan hecho antes TV On The Radio mucho mejor. Pero el caso es que el disco arranca bien. Me gusta “The Children”, me gusta la citada “Ambling Alp”, “Madder Red” me parece muy comercial pero no me disgusta……..Llega el cuarto tema, “I Rememeber” y empieza uno a cansarse de este sonido algo empalagoso… y aunque parece que la cosa va a remontar con “One”, un tema divertido con ritmos africanos, el disco parece morirse ahí mismo. Toda la segunda mitad se vuelve repetitiva, tan “ochentera”, tan “dance”, tan insulsa.

El grupo estará, por supuesto, este fin de semana en el Primavera Sound. Por cierto, volviendo al anuncio televisivo del festival, resulta curioso que todos los cabezas de cartel citados en él sean grupos que llevan 10 años o más en la música (Pavement, Pet Shop Boys, Pixies, Wilco, Orbital). Aunque uno se lo explica cuando escucha nuevas bandas como Yeasayer. Que no es que no haya nuevas propuestas interesantes. Que las hay, desde luego. Pero no puedo por menos de pensar que el listón se ha bajado un poco y a veces le damos mucho bombo a cosas un tanto mediocres.

The Black Keys – Brothers (2010)

Era de esperar, tras lo escuchado en su anterior trabajo, que en su sexto disco de estudio, el dúo de Ohio seguiría con su evolución desde el rock más sucio, crudo y desnudo hacia sonidos más modernos, más elaborados, más cool.

No era de extrañar que se atrevieran a revestir su sonido de elegantes arreglos y trataran de darle una apariencia menos rancia. No sólo de rudos riffs vive el rockero. Lo cierto es que han llevado su experimentación bastante más allá y uno se pregunta, escuchando el tema que abre el disco, “Everlasting Light”, sino se ha equivocado y ha puesto uno de LCD Soundsystem o Gnarls Barkley.

Así transcurren los primeros cortes del disco, en un claro intento de Patrick y Dan de reciclar su rock-blues clásico en rock-blues moderno. (Senda por la que ya transitaron Jon Spencer o Jack White). Aunque según avanzamos, nos damos cuenta de que, con todos los toques de modernidad que quieran, cuando mejor suenan los Black Keys es cuando suenan a sí mismos.

El soul impregna este disco de principio a fin, un soul cuidado y elegante (impensable hace unos años que The Black Keys sonaran a Marvin Gaye), pero tampoco faltan, más puntualmente, los arranques guitarreros “marca de la casa” (excelente el instrumental “Black Mud”) y hasta algún tímido coqueteo con el pop (“The Only One”).

En definitiva, si quieres escuchar la evolución de esta banda, ponte “Ten Cent Pistol” a todo volumen, y a disfrutar de un sonido a la vez clásico y moderno.

The Rolling Stones – Exile On Main Street (1972)

Los “dinosaurios” del rock son noticia por el estreno del documental “Stones in exile”, coincidiendo con el lanzamiento, el próximo día 18, de una reedición especial del mítico “Exile On Main Street”, incluyendo 10 temas inéditos que se compusieron en aquellas lisérgicas sesiones de grabación.

La historia es bien conocida. Principios de los 70s. Los Beatles se han separado, los Stones han superado los convulsos 60s tirando de riffs de guitarra, y acaban de firmar el disco que es, en mi opinión, su obra maestra (“Sticky Fingers”, de 1971). El fisco británico los persigue y ellos lo evitan instalándose en el sur de Francia. Allí, en el sótano de la casa de campo de Keith Richards, se grabó, entre fiesta y fiesta, “Exile On Main Street”, un disco considerado por muchos la cumbre musical de los Stones.

Habrá que esperar a que llegue a las carteleras el documental para poder comprobar si captura aquel universo de “sexo, droga y rock´n´roll”. Y habrá que esperar a que llegue a las tiendas el disco y podamos escuchar los 10 temas inéditos. Yo no soy optimista respecto a su calidad, se trata de temas que entonces se descartaron y, para mi gusto, ya fueron muy generosos incluyendo en el disco original 18 temas hasta completar un disco doble. Además, el single “Plundered my soul” es una canción correcta, pero poco más.

http://www.youtube.com/watch?v=CK6KA4QILUc

Mientras llegan todas esas novedades, nos quedamos con el disco original. El resultado de aquellas anárquicas sesiones de grabación es un puñado de canciones de sonido “sucio”, muy americano, empapado de blues, country, góspel, soul……se notan las aportaciones de Gram Parsons y la producción del genial Jimmy Miller. Pero sobre todo, este disco captura el espíritu de la banda mejor que otros discos de estudio e incluso que algunos grabados en directo. Ese sonido poco elaborado, por momentos atropellado, orgánico, que surge del corazón y hace perder la cabeza. Esas dos guitarras que se doblan, se funden, se complementan y se retan. (Es la época de Mick Taylor). Esos golpes de batería que son latidos de corazón. Esos pianos, esos coros….

Yo no creo que se trate del mejor disco de los Stones. Pero es el que mejor refleja su espíritu. El espíritu del ROCK´N´ROLL.

Fictionist – Lasting Echo (2010)

Hacía ya unas semanas que cayó en mis manos (gracias a la recomendación de un amigo sureño), el disco de debut de los californianos Fictionist, y si no lo había escuchado con detenimiento hasta ahora era solamente porque yo siempre empiezo las cosas por el principio, y la primera canción no me encandilaba.

Pero una vez escuchado el disco completo, la impresión cambia. Fictionist nos regalan una colección de canciones pop/rock muy variadas en estilos e influencias, pero todas caracterizadas por la belleza y la elegancia, y dominadas por la estupenda voz de Stuart Maxfield y el extraordinario trabajo a las guitarras del propio Maxfield, Robbie Connolly y Brandon Kitterman.

A lo largo del disco nos encontramos con estupendas melodías (“Human Wings”, “Blue-Eyed Universe”), baladas de corte épico, con la voz de Maxfield alcanzando notables registros que nos recuerdan a las clásicas baladas del rock duro (“Sunshine Of A Shell”), cambios de ritmo y solos de guitarra muy en el estilo del rock progresivo (“Strangers In The Dark”, “Deeper and Deeper”), pop vacilón y asequible (“Time To Time”) y un temazo antológico, “Fire Don't Set You Free”, donde la melodía se acompaña de unas guitarras disonantes que crean una atmósfera sonora que desembocará en ruido y volverá a finalizar en guitarras. El mejor tema del disco, que no desentonaría en el repertorio de Wilco.

Tchaikovsky – El Cascanueces (1892)

Tal día como hoy, hace 170 años, nació en Rusia, Piotr Ilich Tchaikovsky (nombre y apellidos que varían según donde los veas escritos, es lo malo de ser ruso). Y para celebrarlo, hoy os dejo con la música de su obra más conocida, el ballet El Cascanueces.

Tchaikovsky escribió música a la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (puesta en escena por Marius Petipa y encargado por el director de los Teatros Imperiales Iván Vsevolozhski en 1891). Lo que encontraréis aquí es la selección de 8 números de ballet hecha por el propio compositor antes del estreno del ballet, La Suite del Cascanueces, concebida para ser estrenada en concierto en 1892, y que fue todo un éxito.

La música, perfectamente encuadrada en el apasionado período romántico, es una maravilla llena de sensibilidad y energía, en la que el bueno de Piotr Ilich aúna con maestría la música culta y popular. No hay que olvidar que se trata de la “banda sonora” de un cuento de Hoffmann, con toda la carga simbólica y onírica que esto conlleva. Desde la “Obertura” inicial, se crea un ambiente de cuento de hadas, las diversas danzas van oscilando desde la fuerza de la danza rusa “Trepak” a la serena belleza de mi favorita, la “Dance Árabe” y el clímax se alcanza con el genial “Vals de las Flores”, que lo hubiera formado Johann Strauss hijo.

Os dejo con la Symphonic Festival Orchestra de Eslovenia

Autokratz – Animal (2009)

Estos días es noticia que ya podemos escuchar nuevos temas de los londinenses Autokratz, con la producción de dos monstruos como Jagz Kooner y Andrew Innes. Aquí los tenéis

http://www.autokratz.com/kickdownload

Mientras degustáis estos dos nuevos trallazos y sus remixes, no está de más recordar (o descubrir a quien no los conozca) al dúo de pop electrónico que firmó uno de los mejores discos del 2009.

David Cox y Russell Crank no dudan en mezclar electrónica de baile salvaje con pop de reminiscencias ochenteras. Esta combinación, con la que corrieron el riesgo de convertirse en unos macarras horteras, ha dado de sí un resultado deslumbrante, música dance incendiaria que no pierde la elegancia ni cuando más se desmelena. (Memorable ese sonido de moneda que precede al subidón en “Stay the same”). Electrónica ruidosa y chirriante (“Gone gone gone”), melodías decadentes que ya le gustaría firmar a Alaska (“Can´t Stand Without”), un montón de ritmo para quemar la pista de baile, y de regalo, una frenética revisión del "Swastika Eyes" de sus mentores Primal Scream, que ya os adelanto que es mucho mejor que la de los Chemical Brothers.

Mientras esperamos ansiosos el segundo disco, vamos gastando las adidas con “Animal”.

Hockey – Mind Chaos (2009)

Esta banda americana de Portland es la penúltima sensación del indie americano en la línea que abrieron los Strokes. Su disco de debut tiene ya unos meses, pero gracias a que su segundo single, “Learn To Loose”, ha sido elegido la cerveza Mahou para sonar en su anuncio de cara a este verano, y tiene un estribillo que no hay quien se lo saque de la cabeza, y llevo cantándolo sin parar un par de días, pues lo saco ahora a colación.

Hockey suenan un poco como los Strokes pasados por una batidora dance. Ya en el tema que abre el disco, y que fue el primer single, “Too Fake”, hacen una declaración de intenciones de por dónde irán las claves de su sonido, que muy poco variará a lo largo de los 11 temas que lo componen. De hecho, esa monotonía es el principal problema del disco, que escuchado de principio a fin se hace un poco repetitivo. En cualquier caso, gracias sobre todo a la potente voz de su cantante Benjamin Grubin y los guitarrazos rockeros de Brian White, el disco tiene momentos muy interesantes, especialmente cuando tiran de soul, funky e incluso folk.

Habrá que seguir atentamente el futuro de esta banda, y ver si en posteriores entregas son capaces de evolucionar y aprovechar sus ideas más interesantes o acaban repitiendo una y otra vez estribillos a voz en grito.

De momento, “Learn To Loose” lo tiene todo para sonar muchísimo este verano. Una mahou, por favor.

LCD Sounsystem – This Is Happening (2010)

Acabo de escuchar el tercer disco del proyecto del neoyorquino James Murphy y no puedo quitarme la sonrisa de la cara. Sólo este señor sería (y ha sido) capaz de calcar un par de canciones de Lou Reed y David Bowie respectivamente (llegando a rozar el plagio), pasarlas por el tamiz del tecno hortera de los 80s, y poner a sus pies a la muchachada moderna y gafapasta. Los sesudos dirán que no se le puede tomar en serio. Yo digo que me encanta este disco, lleno de canciones pop (“Drunk Girls”, “All I Want”), referencias ochenteras (“Pow Pow”, “I Can Change”), ruiditos electrónicos, ritmos dance, y canciones larguísimas que no se hacen pesadas (“Dance Yrself Clean”, “You Wanted A Hit”).

¿Se imaginan ustedes la perfecta fusión entre The Velvet Underground, John Foxx y FatBoy Slim? Yo tampoco me la imaginaba, hasta que escuché el tercer disco de LCD Soundsystem.

James – The Night Before (2010)

Hablar del “sonido Madchester” es hablar de Happy Mondays, The Stone Roses, The Charlatans……pero también es hablar de James, una banda inglesa que viene dando guerra desde los 80s, pero que vivió su mejor momento en los 90s. Una banda de la que, en España, parece que nadie sabe nada, pero que lo tiene todo para haber sido un éxito de masas. Al menos para mí, temas como “Sit Down”, “Laid” o “Sometimes” son auténticos himnos del mejor POP, así, con mayúsculas.

Este año, James presentan nuevas canciones en dos mini LPs de 7 canciones cada uno, (“The Night Before” y “The Night After”), el primero de los cuales acaba de aterrizar. Escuchando las siete nuevas canciones de James, uno se pregunta cómo es posible que haya grupos de pop como, por ejemplo, Simply Red, vendiendo milones de discos, y a James no los conozca ni el Tato. Siete buenos ejemplos de pop contagioso, alegre y muy bien acabado, en la línea de siempre de James, aunque uno no pueda evitar pensar con alguna nostalgia que los buenos tiempos de los 90 ya quedaron muy atrás.

Supergrass - Selección (2010)

Después de 17 años de carrera, los británicos Supergrass han anunciado su separación por culpa de las típicas “diferencias musicales”. Una mala noticia para sus fans, entre los cuales me incluyo.

Dando guerra desde 1993, cuando aún eran terceto, Supergrass aprovecharon la efervescencia del “Brit Pop” y el estupendo sonido de su disco de debut para darse a conocer. Su desenfadada revisión de sonidos sesenteros (con influencias de T-Rex, The Kinks, Queen, David Bowie o Pink Floyd) y la calidad de sus primeros singles, especialmente “Alright”, les pusieron en la cresta de la ola. Desde entonces, un total de seis discos, unos mejores que otros, la conversión a cuarteto en 2002, un recopilatorio en 2004, y la separación en pleno proceso del que iba a ser su séptimo disco, que no se sabe si llegará a ver la luz.

Un tanto olvidados en España, donde mucha gente sólo recuerda “Alright” (y porque sonó en un anuncio), Supergrass han sido, en mi opinión, una de las mejores bandas de las dos últimas décadas, con cuatro discos estupendos como son “I Should Coco” (1995), “In It For The Money” (1997), “Life On Other Planets” (2002) y “Road To Rouen” (2005)……y con otros dos discos algo más flojos que son “Supergrass” (1999) y “Diamond Hoo Ha” (2008) de los cuales, no obstante, se pueden sacar unas cuantas canciones muy buenas. Un grupo que ha sabido evolucionar y crecer, con una propuesta que siempre ha mirado atrás pero nunca se ha quedado en un simple pastiche.

Os dejo con mi propia selección de los mejores 25 temas, 25, de Supergrass.

Archie Bronson Outfit – Coconut (2010)

El tercer disco del trío británico Archie Bronson Outfit sigue por los arriesgados territorios psicodélicos de los anteriores. Muy en la línea de los Primal Scream del mítico “Xtrmntr” pero sin tanto desfase electrónico, “Coconut” es un compendio de bajos retumbones, riffs de guitarra minimalistas y machacones, baterías aceleradas y voces desasosegantes. Una contundente mezcla que da como resultado un disco por momentos chirriante (con lo bueno y lo malo que eso puede ser), con un sonido claustrofóbico y paranoico que se compensa con la producción del ex DFA Tim Goldsworthy.

Desde el contundente arranque con “Magnetic Warrior” ya nos damos cuenta que el disco no nos va a dar respiros. Un montón de temas rompedores (“Wild Strawberries, “You Have a Right to a Mountain Life One Up On Yourself”) , alguno más accessible (“Hoola”, “Bite It & Believe It”), algún eco blues-folk (“Hunt You Dawn”), y un tema incluso simpático (“Run Gospel Singer”).

Soy consciente de que este no es un disco de escucha fácil, pero merece la pena prestar atención a este tipo de propuestas, tan alejadas a priori de la comercialidad. No me negaréis que las guitarras a lo Primal Scream de “Hearnes (Bliss)” se te meten bien dentro y te crean sensaciones difíciles de definir.

The Brew - A Million Dead Stars (2010)

The Brew es un trío rockero británico actual pero de sonido clásico, que tanto musicalmente como en formato, nos recuerdan inmediatamente a otros tríos bajo-guitarra-batería como The Jimi Hendrix Experience o Stevie Ray Vaughan and Double Trouble. Blues-rock de sonido sesentero donde caben influencias de Led Zeppelin, Pink Floyd, Hendrix, Cream…..apoyándose en la explosiva guitarra del jovencísimo Jason Barwick (20 años tiene el angelito) y la contundente sección rítmica del batería de 21 años Kurtis Smith y ¡su padre Tim Smith al bajo!

“A Million Dead Stars” es ya el tercer disco de esta banda y siguen pasando completamente de cualquier innovación y tirando de referencias clásicas. Demoledores riffs, arpegios y solos de guitarra a lo Hendrix, arreglos y voces a lo Led Zeppelin, algún sutil toque comercial ochentero muy en el estilo del gran Stevie Ray Vaughan y algún largo desarrollo instrumental que apunta el despliegue que dejan ver en sus conciertos.

En definitiva, es sólo Rock´n´Roll pero me gusta. Si explotas las influencias clásicas sin aportar nada nuevo, asegúrate al menos que lo haces tan bien como The Brew.

Pavement – Quarantine The Past (2010)

A finales de los años 80, cuando la música llamada “alternativa” (o sea, fuera de todo interés meramente comercial) aún no tenía la moderna etiqueta de “indie”, surgió en EEUU una de las bandas de rock “alternativo” más importantes de todos los tiempos, los californianos Pavement. Era la época de los primeros R.E.M, de los Pixies, de Dinosaur Jr… A lo largo de la década de los 90 nos regalaron cinco discos que contribuyeron en gran medida a sentar las bases del pop-rock americano actual, ya sea en su vertiente más noise o en su vertiente más folk, y en 1999, la banda se separó.

El año pasado, sumándose a la moda de las reuniones de viejas bandas míticas, Stephen Malkmus y compañía anunciaron que volvían a los escenarios. Esta primavera, Pavement son noticia por partida doble. Tocarán en España en el festival Primavera Sound, y lanzan un disco recopilatorio de su carrera. De momento, no hay material nuevo.

Os dejo con el recopilatorio Quarantine The Past, estupendo título para una banda que llevaba más de 10 años separada. Un disco ideal para la carretera, si os vais de vacaciones de Semana Santa.

Ocean Colour Scene – Saturday (2010)

Hace ya catorce años que aquel temazo llamado “Riverboat Song” de riff contagioso y ritmo imposible de bailar encumbró a Ocean Colour Scene en plena efervescencia “britpop”. Y tras una carrera llena de altibajos, llega ahora su noveno disco, en la línea de siempre, pop-rock de aire “retro”, 100% británico.

Lejanos ya sus dos mejores discos, (“Moseley Shoals” de 1996 y “Marchin’ Already” de 1997), lejanos ya los tiempos de gloria del “britpop”, los OCS sobreviven sin cambiar su sonido, ajenos a las modas y las vanguardias, en una cómoda decadencia, que se mantendrá tanto tiempo como sus antiguos fans se lo perdonemos todo con tal de escucharles tocar en directo “The Day We Caught The Train” de vez en cuando.

En “Saturday”, nada ha cambiado con respecto a anteriores entregas. Ese arranque de soul hortera llamado “100 Floors Of Perception” con que se abre el disco no es más que un engaño. El resto es 100% Ocean Colour Scene, eso sí, sin ser capaces de acertar con las estupendas canciones de antaño. Las baladas de siempre, (“Just A Little Bit Of Love”, “Harry Kidnap”, “Fell In Love On The Street Again”), algún tema bailable y divertido (“Old Pair Of Jeans”), y muchos ecos “sixties”, ahora a lo Rolling Stones (“Mrs Maylie”), ahora a lo Beatles (“What´s Mine Is Yours”, Rockfield”, estas dos, sin duda, las dos mejores canciones del disco).

En definitiva, un disco más que correcto, pero sin la chispa de los primeros OCS, que guardaré y escucharé más bien poco. Y cuando vuelva a verlos en concierto, me iré a casa contento si me dejan entonar en el bis aquello de “Ooh Oh, La La….Oooh Oh La La”

Lali Puna –Our Inventions (2010)

Seis años nos han hecho esperar los alemanes Lali Puna para entregarnos su cuarto disco. Pero ha merecido la pena. Siguen moviéndose en los parámetros de eso que los iluminados han dado en llamar “indietronica”, logrando un disco compacto y homogéneo, diez canciones de intensa belleza (belleza extraña por momentos), elegantes y delicadas, que crean una atmósfera ideal para cenas románticas a la luz de las velas pero con toque moderno. Cuidadísima producción, sonido perfecto, y la particular y sugerente voz de Valerie Trebeljahr presidiéndolo todo (aunque tampoco se la echa de menos en el corte instrumental del disco, “Future Tense”).

Ya desde el precioso tema que abre el disco “Rest Your Head”, nos invitan a relajarnos y disfrutar, y aunque haya un par de momentos más moviditos (“Remember”, “Move On”…) el tono general del disco es tranquilo y sosegado.

En definitiva, unos 37 minutos de belleza musical que, en los tiempos que corren, no es poco.

The Hot Rats – Turn Ons (2010)

Mientras los fans esperamos el próximo disco de Supergrass, dos de los componentes de la banda (el cantante y guitarrista Gaz Coombes y el batería Danny Goffey) se han entretenido en hacer un disco de versiones bajo el pseudónimo de The Hot Rats. (Homenaje al gran disco del gen¡al Frank Zappa y nombre perfecto para una banda de estas características, lástima que no se me haya ocurrido a mi).

Un buen disco de versiones es un acierto cuando les das a las canciones unos matices que no tenían las originales, tu personalidad, tu toque. No se trata de hacerlas mejor ni peor, sino de hacerlas distintas, tuyas. Pues bien, el resultado de este “Turns On” es, en ese aspecto, bastante desigual. Por ejemplo, las versiones del “Queen Bitch” de David Bowie o del “E.M.I.” de los Sex Pistols, poco o nada nuevo aportan respecto a las originales, aunque no por predecibles sean menos divertidas. Revisan con acierto y buen gusto pero pocas sorpresas a The Cure, The Kinks, Pink Floyd……Y es que hacer versiones de canciones de los artistas que son muy claramente tus influencias es, digamos, apostar sobre seguro, pero a mí siempre me ha gustado más el riesgo. Otra cosa es cómo se llevan a su terreno el “(You Gotta) Fight For Your Right (To Party!)” de los Beastie Boys, pero por desgracia, es una isla de originalidad en un disco bastante convencional.

En definitiva, una buena banda, tocando unas cuantas buenas canciones, que te hará pasar un buen rato. Sin otras pretensiones, ni falta que hace.

Clem Snide – Selección (2010)

Yo llegué algo tarde a la música del grupo neoyorquino Clem Snide, recuerdo que tocaban en el FIB de 2004 y, la verdad, no recuerdo nada de aquel concierto, ni siquiera puedo afirmar a ciencia cierta si estuve en él. El caso es que a raíz de aquello empecé a conseguir sus viejos discos, (llevaban en el negocio desde 1991) así que deduzco que algo hubo.

Poco a poco me fui enamorando de discos como “Your Favorite Music” (1999) o “The Ghost Of Fashion” (2001) y entonces, allá por 2005, llegó “End Of Love” y entró de inmediato en mi lista de discos favoritos DE SIEMPRE e hizo subir a Clem Snide como la espuma hasta los primerísimos puestos de mi lista de grupos de cabecera. Y en ese momento, van y se separan, por tensiones internas en el grupo y porque su líder Eef Barzelay, quiere hacer carrera en solitario. Pero en 2008 se volvieron a juntar, y el año pasado sacaron un disco con viejas composiciones que fue considerado un trabajo menor, pero que para mí es, de largo, el mejor disco de 2009, “Hungry Bird”. Este año han publicado material nuevo en su séptimo disco, “The Meat Of Life”.

Del concierto de Clem Snide de anoche en la Heineken, decir que estuvieron apabullantes, que Barzelay llena como pocos el escenario. No les favoreció el formato de concierto de tres grupos pues, al ir en el medio, apenas tocaron algo más de una hora, y supo a poco. Empezaron con los tres primeros temas de su último disco, repasaron unos cuantos de sus clásicos (alguno, como “Fill Me With Your Light”, de manera bastante “marciana”) y llegaron al bis con “Your Favorite Music” haciéndonos corear el estribillo del “You can´t always get what you want” de los Stones.

Como comentario adicional, no entiendo que haya gente que pague por ir a un concierto y se lo pase, ENTERO, hablando y riendo con sus colegas, indiferente a los “SSSh” del sector del público que queremos ESCUCHAR. Por desgracia, es cada vez más común entre los asistentes a los conciertos. Se le quitan a uno las ganas!!

Os dejo con una selección de 16 temas + 2 versiones que me encantan de CLEM SNIDE.

Drive By Truckers – The Big To Do (2010)

Vuelven los de Alabama con su noveno disco de estudio. Y no ha cambiado nada, todo sigue igual. Las tres guitarras que se desdoblan. Las dos voces solistas. El sonido clásico, “de siempre”, de buen rock americano. Si ya te habías cansado de ellos, este disco no te gustará. Si te gustan los anteriores, éste también te gustará. Quizás un poquito más de rock “fuerte” (“This Fucking Job”, “Birthday Boy”) pero en líneas generales, su sonido habitual de rock perfectamente concebido y elegantemente ejecutado (“The Wig He Made Her Wear”, “The Fourth Night Of My Drinking”). No deja de ser curioso que los cataloguen en la moda de la música “Americana” o “Alt Country” cuando ellos llevan ya tantos años pasando completamente de las modas.

Laura Veirs – July Flame (2010)

Va por su séptimo disco esta encantadora cantante y compositora norteamericana y no ha perdido ni un ápice de elegancia y sensibilidad. La autora del maravilloso “Carbon Glacier” (2004) sigue incidiendo en las cualidades que siempre la han caracterizado. Intimismo, delicadeza, minimalismo…..simplemente su peculiar voz cantándonos sus sencillas melodías, apoyándose en su guitarra. Sólo con eso crea atmósferas cálidas y envolventes.

Si bien en esta nueva entrega, parece que a la Veirs le cuesta un poco dar con las melodías adecuadas, y la primera parte del disco cae un poco en la monotonía justo después del single “July Flame”, hacia la mitad la cosa remonta notablemente, con canciones tan bonitas como “Summer Is The Champion” o “Wide-Eyed, Legless” y, apoyándose en bonitos arreglos de cuerdas y vientos sugeridos por su productor y pareja Tucker Martine , Laura se viene arriba cerrando el disco de manera sensacional con los preciosos violines de “Make Something Good” que te dejan una gran regustillo final.

Adam Green – Minor Love (2010)

El primer disco que llegó a mis manos del bueno de Adam en solitario fue aquel maravilloso “Friends Of Mine” que me atrapó en seguida. Esa voz profunda, esa orquestación, ese estilo crooner, esas letras disparatadas y, sobre todo, esas estupendas canciones. El segundo impacto fue verlo en directo. Siempre que le he visto en concierto estaba borracho, o colocado, o ambas… acertando apenas a tenerse de pie sobre el escenario. Y esto, lejos de resultar un inconveniente, le da un aire de showman que hace de sus conciertos una sucesión de momentos divertidos.

La carrera en solitario del antiguo cantante de The Moldy Peaches ha ido perdiendo fuelle, sobre todo porque le cuesta más dar con buenas melodías, pero también porque su estilo de crooner absurdo empezaba a sonar repetitivo. En este su sexto disco, Adam da un cierto giro que se agradece. Desde la canción que abre el disco, ya nos damos cuenta de que la producción es más austera, más desnuda. Sin instrumentos de viento, con un tono más comedido, apoyándose mucho en su guitarra acústica, Adam parece más serio, aunque sólo lo parece, porque no ha perdido su sentido del humor. Experimenta con melodías sencillas y arreglos sencillos, (incluso me recuerda a Beck en “Lockout”) y el experimento le sale en general, bien. Cercano en muchos momentos a ese sonido Lo-Fi de rock desganado que tanto aprovecharon sus amigos y vecinos los Strokes, la voz del señor Green se acerca esta vez más a la del Lou Reed de los 60s que a la de Frank Sinatra, sin dejar de parecerse al viejo Adam Green en temas como “Castles And Tassels” o “You Blacken My Stay”.

Black Rebel Motorcycle Club - Beat the Devil's Tattoo (2010)

Allá por el año 2000, esta banda americana de rock atrajo muchas miradas con sus dos primeros discos. Con influencias “clásicas” de rock garajero y shoegaze, aprovecharon el momento al alza que vivía el rock de guitarras tras la aparición de los Strokes para hacerse muy populares entre viejos rockeros y modernos gafapastas. En 2005, su tercer disco, “Howl”, exploraba con gran acierto el rock de raíces, el folk, el blues…..para mi gusto, el mejor y más logrado disco de su carrera, y el que hizo que me interesara en ellos. Hace un par de años publicaron un disco aburridísimo de cuyo nombre ni me acuerdo, y regresen ahora con este “Beat the Devil´s Tattoo”.

De entrada, este disco es más variado y por ello más interesante que el anterior. Sin ser ni de lejos una obra maestra, el disco se deja escuchar mejor que bien. Hay ecos folkies que nos recuerdan vagamente a “Howl”, como el tema que abre el disco y le da nombre, o la balada “The Toll” que tiene hasta armónica. Hay temas al viejo estilo BRMC, con sonido levemente shoegaze, como “Evol” o “Shadow´s Keeper” y también encontramos temas con un denso sonido stoner e incluso claras referencias a Nirvana en “Aya”. Las melodías están más logradas que en el disco anterior (¡hay un piano en la balada “Long Way Dawn”!), el sonido de guitarras está muy cuidado y el resultado final, aunque algo desigual, es, en general, bueno.

Primal Scream – Screamadelica (1991)

Recién empezada la década de los 90, en toda Gran Bretaña la escena musical estaba en ebullición. El escocés Bobby Gillespie había abandonado a mediados de los 80 su puesto como batería en The Jesus & Mary Chain para centrarse su propia banda, Primal Scream. Tras un par de discos mediocres, a caballo entre la psicodelia de los Byrds y el rock garajero de MC5, Gillespie andaba en 1990 desencantado y buscando su identidad musical. Es la época de los clubs londineneses, del dance, el dub, el acid house. Y es en esa época cuando un famoso DJ de la escena house, Andrew Weatherall, recupera uno de los mejores temas del disco “Primal Scream” (1989), la balada “I'm Losing More Than I'll Ever Have” y, trabajando con la banda, lo remezcla, olvidando la parte principal del tema, potenciando la pegadiza parte instrumental del final y dándole un toque acid-house, orientando claramente el tema a las pistas de baile de los clubs. El tema se llama “Loaded”. Encantados con la deconstrucción, Primal Scream deciden que ese va a ser camino a seguir en el próximo disco, en el que empiezan a trabajar entre drogas y noches de fiesta en los clubs.
Se rompen las reglas, se rompen los corsés, y se graban canciones de sonido dispar, con entera libertad. Colaboran con prestigiosos productores, principalmente el propio Weatherall, pero también The Orb, Terry Fairley o Jimmy Miller, y están muy pendientes del sonido final del disco, participando la banda activamente en la producción. El resultado es Screamadelica, un disco indispensable, fresco, nuevo…que marcará un hito en la historia de la música y se convertirá en uno de los más influyentes de todos los tiempos.
Trabajo inclasificable, mezcla de rock, pop, psicodelia, dub, acid-house, góspel y todos los sonidos que la banda haya asimilado en los últimos meses, es además un disco que refleja claramente el carácter lisérgico de la época, ordenándose como un colocón de Éxtasis, con su euforia (“Moving on up”, “Slip inside this house”), su estado de catarsis (“Higher than the sun”, “Loaded”) y su “bajón”(“I´m coming down”). El disco será merecedor del prestigioso Mercury Prize británico y aún hoy en día es referencia obligada de músicos de todo el mundo. Una de esas pocas ocasiones en que podemos decir, “un disco que cambió la historia de la música”.

Ahora, justo 20 años después, y apuntándose a la moda recuperar-en-directo-un-viejo-disco-mítico, Primal Scream se disponen a tocar Screamadelica en directo, íntegro y en orden, a finales de año, en dos únicos (en principio) conciertos en Londres. ¿Nos vemos allí?